Olimpiada sztuki - Londyn 2012

To będzie spektakularny rok dla wielbicieli sztuki mieszkających lub wybierających się do UK. W 2012 poza wystawą Picassa, o której niedawno pisaliśmy, szykują się trzy inne, znakomite wydarzenia. Wśród nich: wystawa prac Davida Hockneya, pokaz portretów Luciana Freuda w National Portrait Gallery, a na nim nieukończony przez zmarłego niedawno malarza obraz "Portrait of the Hound" oraz pierwsza w historii duża retrospektywna wystawa twórczości Damiena Hirsta, o której kilka słów więcej dzisiaj.

Damien Hirst to słynne enfant terrible sztuki współczesnej. Jeden z najważniejszych artystów ostatnich dwudziestu lat. Tematem jego twórczości jest osobliwie potraktowana natura, życie i śmierć, choroba i zdrowie, chaos i porządek. Do najbardziej znanych prac Hirsta należy cykl "Natural History", w skład którego wchodzą martwe, wypreparowane zwierzęta zanurzone w formalinie i umieszczone w szklanych gablotach. Hirst w trakcie studiów pracował w kostnicy, co wpłynęło jak widać mocno na jego dalszą twórczość. W skład cyklu "Natural history" wchodzi słynna praca "The Physical Impossibility of Death in the Mind of Someone Living" (Fizyczna niemożliwość śmierci w umyśle istoty żyjącej), przedstawiająca żarłacza tygrysiego o długości ponad 4 m. To warte bagatela 7 milionów funtów dzieło znajdzie się jako jeden z centralnych punktów ekspozycji na wystawie w Tate w kwietniu.


Inną, równie znaną pracą Hirsta jest wystawiona w czerwcu 2007 w galerii White Cube w Londynie "For the Love of God" (Na miłość boską) rzeźba. Przedstawia wykonaną z platyny ludzką czaszkę inkrustowaną diamentami. Inspiracją dla Hirsta była inkrustowana turkusami czaszka aztecka, którą widział w British Museum. Aby wykonać Na miłość boską Hirst kupił autentyczną XVIII-wieczną czaszkę ludzką, na jej podstawie wykonał odlew, ponawiercał w nim otwory, w których osadził 8601 diamentów. Wszystkie diamenty ważą 1106 karatów, a największy z nich (różowy, w kształcie gruszki) 52 karaty. Podobno nazwa rzeźby pochodzi od wypowiedzi matki Hirsta, która oglądając jedną z jego poprzednich prac miała powiedzieć: Na miłość boską, co wymyślisz następnym razem? Wykonanie rzeźby kosztowało 14 mln funtów i może zostać uznana za najdroższe dzieło sztuki w historii. Artysta mówi o czaszce, że stworzył ją w hołdzie przeciwko śmierci. Diamenty symbolizują dostatek, sex, czystość, nieśmiertelność i śmierć. Są symbolem wszystkiego co wieczne, ale mają również swoją ciemną stronę.


Ponad 70 prac Hirsta, w tym praca, która wygrała Turner Prize w 1995, a także słynna instalacja "In and Out of Love"1991, a do tego malowane na płótnie motyle i inne typowe dla Hirsta - artysty i designera popkulturowe gadżety. Wystawa niedyskretna, nietaktowna, nie trzymająca się żadnych zasad. Czy taka będzie? Warto się przekonać.

Katarzyna Kucharska

Damien Hirst, 4 kwietnia – 9 września 2012, Tate Modern. Londyn

źródło: www.tate.org.uk
fot.1."Saint Sebastian, Exquisite Pain", 2007
fot.2."The Physical Impossibility of Death in the Mind of Someone Living", 1991, www.en.wikipedia.org
fot.3."For the Love of God", 2007, fot. wwwen.wikipedia.org
fot.4."Let's eat outdoors", fot. z wystawy w Royal Academy of Arts w Londynie, www.guardian.co.uk

Udostępnij

Artykuł powstał we współpracy z Galerią Sztuki Katarzyny Napiórkowskiej
www.napiorkowska.pl

Zapraszamy Państwa także na strony poświęcone sztuce: 
www.artissimo.pl – wystawy, artyści, wydarzenia

Blog Justyny Napiórkowskiej- zwycięski blog w dziedzinie kultury w konkursie Blog Roku 2010 :
www.osztuce.blogspot.com

Wszystkie prawa zastrzeżone

Picasso i angielska sztuka współczesna w Tate Britain

Jeden człowiek, jeden twórca i nieskończenie wiele pomysłów. Życie i twórczość Picassa to niewyczerpane źródło inspiracji. Opowieść o tym w jaki sposób Picasso wpływał na twórczość współczesnych artystów angielskich przygotowuje na wiosnę 2012 roku Tate Britain.

Ekspozycja zostanie zbudowana wokół 70 prac mistrza, a łącznie na wystawie zobaczymy blisko 150 prac autorstwa najciekawszych artystów ubiegłego stulecia. Obrazy Picassa znajdą się tu w szacownym otoczeniu. Jak powiedział kurator wystawy Chris Stephens; Picasso pozostaje bezdyskusyjnym geniuszem sztuki XX wieku i nie ma właściwie wśród największych twórców XX wieku artysty z awangardowymi ambicjami, który pozostałby obojętny na dokonania Picassa, nie próbując się z nimi mierzyć lub czerpać z nich w ten, czy inny sposób. Na zaostrzenie apetytu widzów, Tate prezentuje zestawienie obrazu "The Source" Picassa z 1921 roku(fot.1) z pracą Henrego Moor'a "Reclining Figure" z 1936 roku(fot.2).

Poza pracami Moor'a pokazane zostaną również starannie wybrane na ekspozycję prace Grahama Sutherlanda, Francisa Bacona, a także Davida Hockneya. Przyciągnąć na wystawę gości mają jednak przede wszystkim nieczęsto pokazywane publicznie obrazy samego Picasa, wśród nich wymienia się jako absolutne hity obraz "Głowa mężczyzny z wąsami"(1912), "Mężczyzna z klarnetem"(1911-1912) i wspaniały obraz z 1925 roku "Trzy tancerki".

Wystawy planowane w nadchodzącym roku w Anglii zapowiadają się naprawdę ciekawie, a "Picasso and Modern British Art" w Tate Britain będzie z pewnością jednym z bardziej komentowanych, wartych polecenia wydarzeń.

Katarzyna Kucharska

Picasso and Modern British Art, Tate Britain, 15 lutego -15 lipca 2012.

źródło: www.guardian.co.uk, www.tate.org.uk

fot.1. Picasso, The Source (1921)

fot.2. Henry Moore, Reclining Figure 1936

Udostępnij

Artykuł powstał we współpracy z Galerią Sztuki Katarzyny Napiórkowskiej
www.napiorkowska.pl

Zapraszamy Państwa także na strony poświęcone sztuce: 
www.artissimo.pl – wystawy, artyści, wydarzenia

Blog Justyny Napiórkowskiej- zwycięski blog w dziedzinie kultury w konkursie Blog Roku 2010 :
www.osztuce.blogspot.com

Wszystkie prawa zastrzeżone

Gilbert&George w Gdańsku

Od 10 listopada 2011 do 5 lutego 2012 będzie można oglądać w Centrum Sztuki Współczesnej Łaźnia w Gdańsku wystawę serii prac „Jack Freak Pictures” słynnego duetu Gilbert&George.

Gilbert Prousch (1943 ) i George Passmore (1942) poznali się na studiach w Central Saint Martins College of Art and Design w Londynie. Zasłynęli w latach 70. jako artystyczny duet tworząc performansy takie jak „Śpiewająca rzeźba” czy ,„Gordon Makes Us Drunk”. Ich znakiem rozpoznawczym stał się image dwóch niepozornych mężczyzn w garniturach. Znani są głównie jako twórcy fotomontaży, których tematami są: rozkład, seks, ludzka fizyczność, krytyka społeczeństwa. Ich kontrowersyjna i obrazoburcza twórczość była wielokrotnie krytykowana przez różne środowiska, nie przeszkodziło im to jednak stać się ikonami brytyjskiej sztuki współczesnej.

Seria „Jack Freak Pictures” to największy cykl obrazów, jaki Gilbert & George stworzyli w swojej dotychczasowej karierze. Według Michaela Bracewella, brytyjskiego dziennikarza i krytyka sztuki, to monumentalne w rozmiarach dzieło, składające się z tematycznych epizodów i motywów zharmonizowanych z nastrojem, podszyte jest intensywnym ładunkiem emocjonalnym. Jednak jeden wizualny element – czerwono-biało-niebieska flaga brytyjska, nazywana „Union Jackiem”, sama w sobie będąca abstrakcyjnym, geometrycznym wzorem – dominuje nad całym cyklem barwnych, a zarazem niepokojących obrazów. Krzykliwy, wręcz zabawny symbol, bezbłędnie rozpoznawalny w przestrzeni międzynarodowej, odnosi się do społeczno-kulturowych aspektów wraz ze wszystkimi swoimi znaczeniami, począwszy od narodowej dumy i ceremoniału po popkulturową obojętność i obywatelskie nieposłuszeństwo.

Przygotowana we współpracy z Instytutem British Council wystawa, na którą złoży się 39 monumentalnych prac, zajmie całą przestrzeń ekspozycyjną CSW Łaźnia. Gilbert & George osobiście dopracowali koncept ekspozycji, dokonali wyboru prac i wykonali projekt aranżacji przestrzennej dla CSW Łaźnia.

Fot. 1. Gilbert & George, FRIGIDARIUM, 2008 Gilbert & George

Fot. 2. Gilbert & George, HOMEY, 2008 Gilbert & George

Źródło: CSW Łaźnia

Alicja Wilczak

Udostępnij

Artykuł powstał we współpracy z Galerią Sztuki Katarzyny Napiórkowskiej
www.napiorkowska.pl

Zapraszamy Państwa także na strony poświęcone sztuce: 
www.artissimo.pl – wystawy, artyści, wydarzenia

Blog Justyny Napiórkowskiej- zwycięski blog w dziedzinie kultury w konkursie Blog Roku 2010 :
www.osztuce.blogspot.com

Wszystkie prawa zastrzeżone

„Inna strona księżyca” - artystki awangardy

Wystawa w düsseldorfskim K20 prezentuje 230 prac autorstwa ośmiu artystek, które w latach 20. i 30. XX wieku wywarły znaczący wpływ na awangardę europejską. Wśród nich jest Katarzyna Kobro - najwybitniejsza przedstawicielka nurtu konstruktywistycznego w sztuce polskiej okresu międzywojennego.

Obok Kobro na wystawie znalazły się: Claude Cahun, Dora Maar, Sonia Delaunay, Florence Henri, Hannah Höch, Sophie Taeuber-Arp i Germaine Dulac. Ich twórcza aktywność obejmowała różnorodne kierunki estetyczne - od dadaizmu przez konstruktywizm aż po surrealizm. Posługiwały się różnymi środkami artystycznymi, tworząc obrazy, fotografie, kolaże, filmy i rzeźby. Na ekspozycji przygotowanej przez Kunstsammlung NRW Düsseldorf we współpracy z Louisiana Museum of Modern Art (Dania) można po raz pierwszy prześledzić życie i twórczość tych artystek zestawione razem.

Wystawa pokazuje, w jakim stopniu twórczość pionierek awangardy, przyczyniła się do powstania nowego stylu w sztuce. Jedną z takich prekursorek była bez wątpienia Sophie Taeuber-Arp (1889-1943). W swojej twórczości łączyła dadaizm i geometryczną abstrakcję, sięgając także do surrealizmu. Była jedną z pierwszych popularyzatorek awangardy, a pomogły jej w tym otwarta na świat osobowość i doświadczenie współpracowniczki francusko-amerykańskiego czasopisma "Plastique".

Do kręgu wpływowych artystek należała również Hannah Höch (1889-1978), której kolaże wyznaczają początki berlińskiego dadaizmu. Z kolei Sonia Delaunay (1885-1979) przygotowała grunt pod czyste malarstwo i zrewolucjonizowała przemysł mody, tworząc własną, rozpoznawalną markę. Dora Maar (1907-1997) i Claude Cahun (1894-1954), uważane są z kolei za najbardziej radykalne przedstawicielki wczesnego surrealizmu.

Katarzyna Kobro (1898-1951) utrzymywała kontakty z najbardziej znaczącymi przedstawicielami awangardy rosyjskiej - Kazimierzem Malewiczem, Eliezerem Lisickim (El Lissitzkym) i Aleksandrem Rodczenką. Komponowała rzeźby z gotowych części metalowych, drewna, korka, włókna szklanego. Zestawiała przestrzenne formy o różnych kształtach, objętości, strukturze materii, łącząc elementy statyczne z ruchomymi - podwieszanymi lub częściowo stabilizowanymi, drgającymi pod wpływem impulsu. Kilka takich rzeźb można oglądać w K20.

Kuratorka: Susanne Meyer-Büser.

Wystawa trwa do 15 stycznia 2012.

Fot. 1. Katarzyna Kobro, Kompozycja przestrzenna 4, 1929, stal, farba olejna, 40 x 64 x 40 cm. Muzeum Sztuki w Łodzi

Fot. 2. Hannah Höch, Siebenmeilenstiefel, 1934, Hamburger Kunsthalle

Fot. 3. Sonia Delaunay, Flamencosänger, 1915

Źródło: www.kunstsammlung.de

Alicja Wilczak

Udostępnij

Artykuł powstał we współpracy z Galerią Sztuki Katarzyny Napiórkowskiej
www.napiorkowska.pl

Zapraszamy Państwa także na strony poświęcone sztuce: 
www.artissimo.pl – wystawy, artyści, wydarzenia

Blog Justyny Napiórkowskiej- zwycięski blog w dziedzinie kultury w konkursie Blog Roku 2010 :
www.osztuce.blogspot.com

Wszystkie prawa zastrzeżone

Retrospektywa Giacomettiego w Maladze

Blisko 100 dzieł Giacomettiego, nie tylko rzeźb ale również obrazów i rysunków można zobaczyć na retrospektywnej wystawie artysty zorganizowanej przez Muzeum Picassa w Maladze. Wystawę twórczości jednego z najważniejszych artystów XX wieku otwarto kilka dni temu i będzie ją można zwiedzać aż do 5 lutego 2012 roku.

Alberto Giacometti zaczął rysować i rzeźbić w młodym wieku. Studiował sztukę w Paryżu, gdzie zetknął się z czołowymi artystami i najwybitniejszymi intelektualistami tamtych czasów. Przez pewien czas eksperymentował z kubizmem i surrealizmem, do czasu gdy w 1930 roku odkrył na nowo postać. Wydłużone rzeźby przedstawiające postać człowieka należą do najbardziej znanych jego dzieł. Wizerunki rzeźbionych przez Giacomettiego postaci ludzkich zmieniały się w czasie. W trakcie tego procesu artysta nie przestał nigdy zajmować się malarstwem, rysunkiem, czy też pisaniem. Pod koniec lat 1950 Giacometti osiągnął status gwiazdy. Jego wystawy organizowane w Europie i Stanach Zjednoczonych miały doskonałe recenzje, a artysta cieszył się uznaniem aż do śmierci.

Najgłośniejszym dziełem Giacomettiego została rzeźba "L'Homme qui marche I". Ta rzeźba z brązu powstała w 1960 roku w 6 egzemplarzach. Przedstawia ona człowieka naturalnego wzrostu i mierzy 183 cm. Co ciekawe - jeden z odlewów, wykonany w 1961 roku, a więc za życia autora, został sprzedany 3 lutego 2010 podczas aukcji w domu aukcyjnym Sotheby's w Londynie za ponad 65 milionów funtów i tym samym rzeźba zyskała tytuł najdrożej sprzedanego na aukcji dzieła sztuki w historii. Znacznie przekroczyła sumy, za które kupiono dzieła wybitnych malarzy – Pabla Picassa („Chłopiec z fajką”) oraz Vincenta Van Gogha („Portret doktora Gacheta”).

Prezentowane w Muzeum Picassa prace Giacomettiego pochodzą ze zbiorów Fundacji Alberta i Annette Giacomettich z Paryża.

Katarzyna Kucharska

17.10.2011 - 5.02.2011
Picasso Museum

Palacio de Buenavista San Agustín,8 29015 Málaga, Spain

fot. Christian Hartmann/Reuters, www.http://topics.nytimes.com
źródło: museopicassomalaga.org


Udostępnij

Artykuł powstał we współpracy z Galerią Sztuki Katarzyny Napiórkowskiej
www.napiorkowska.pl

Zapraszamy Państwa także na strony poświęcone sztuce: 
www.artissimo.pl – wystawy, artyści, wydarzenia

Blog Justyny Napiórkowskiej- zwycięski blog w dziedzinie kultury w konkursie Blog Roku 2010 :
www.osztuce.blogspot.com

Wszystkie prawa zastrzeżone

Wernisaż wystawy malarstwa Waldemara Marszałka

Galeria Sztuki Katarzyny Napiórkowskiej

ma zaszczyt zaprosić Państwa
na wernisaż wystawy malarstwa Waldemara Marszałka,
który będzie miał miejsce już dzisiaj o godzinie 19.00,
ul.Świętokrzyska 32 w Warszawie

Hundertwasser - Sztuka Zielonej Ścieżki

Wystawa w Kunst Haus Wien jest uhonorowaniem twórczości artysty, którego filozofia myślenia i artystyczne zasady legły u podstaw istnienia tego muzeum. W 20-tą rocznicę swego istnienia, Kunst Haus Wien zaproponowało miłośnikom sztuki wystawę poświęconą Friedensreichowi Hundertwasserowi. Wystawę można zobaczyć jeszcze do 6 listopada.

Friedensreich Hundertwasser - austriacki malarz, grafik, rzeźbiarz, performer, aktywista ochrony środowiska. Hunderwasser znany jest przede wszystkim z realizacji budowlanych. Urodził się 15 grudnia 1928 w Wiedniu, od 1948 studiował w wiedeńskiej Akademii Sztuk Pięknych, którą porzucił po 3 miesiącach. Z jego projektami kojarzymy od razu kolorowe płaszczyzny, nieregularne formy, często porośnięte bujną roślinnością. Hundertwasser dostarczył niezliczoną ilość impulsów dla wiedeńskiej architektury i sztuki. Był artystą unikalnym – sui generis – chociaż jego budowle, w których stosuje formy biomorficzne i płytki ceramiczne, przypominają prace Antoniego Gaudiego . Inspirował go również styl Wiedeńskiej Secesji oraz malarstwo austriackich artystów Egona Schielego i Gustava Klimta.


Swoje oryginalne pomysły i wizje przedstawiał Hundertwasser w tworzonych przez siebie pracach plastycznych, działaniach na rzecz środowiska naturalnego, filozofii życia, projektach budynków, znaczków pocztowych, flag i ubrań. Cechą charakterystyczną jego stylu jest rezygnacja z linii prostej, którą uważał za niemoralną, stosowanie ostrych, wyrazistych barw i form nieregularnych, organicznych. W architekturze stosuje "cebulowe" kopuły i barokowe kolumnady. Wszystkie jego dzieła są przesycone silnym indywidualizmem artysty. Hundertwassera fascynowała forma spirali, którą po raz pierwszy zastosował w swoich pracach w roku 1953.

Powołał on do życia również centrum wystawowe, w którym mieści się stała ekspozycja poświęcona dziełom mistrza i odbywają się wystawy czasowe pasjonującej sztuki współczesnej. Mistrz Hundertwasser całkowicie przebudował dawną fabrykę mebli drewnianych Thonet w swym charakterystycznym stylu. Nieregularne elementy ze szkła, metalu, cegieł, drewna i kolorowe kafle nadają nowe oblicze temu uprzednio niepozornemu budynkowi. Otwarcie nastąpiło w roku 1991. Dwa piętra Kunst Haus Wien poświęcono stałej ekspozycji dzieł Hundertwassera, na dwóch pozostałych odbywają się wystawy czasowe.
Katarzyna Kucharska

"Hundertwasser - The Art of the Green Path" 7 lipca - 6 listopada 2011 Kunst Haus Wien, Museum Hundertwasser

źródło: www.kunsthauswien.com
fot.1. Hundertwasser 695 Come and walk with me - Double talk, 1970. Private property© KUNST HAUS WIEN, 2011
fot.2. Hundertwasser 487, Little palace of beauty in illness, 1961. Private property, Japan
© KUNST HAUS WIEN, 2011
fot.3. Hundertwasser 699 The houses are hanging below the woods (meadows), 1971.
Private property, Switzerland© KUNST HAUS WIEN, 2011

Udostępnij

Artykuł powstał we współpracy z Galerią Sztuki Katarzyny Napiórkowskiej
www.napiorkowska.pl

Zapraszamy Państwa także na strony poświęcone sztuce: 
www.artissimo.pl – wystawy, artyści, wydarzenia

Blog Justyny Napiórkowskiej- zwycięski blog w dziedzinie kultury w konkursie Blog Roku 2010 :
www.osztuce.blogspot.com

Wszystkie prawa zastrzeżone