czwartek, 30 września 2010

Wernisaż wystawy malarstwa Bogny Jarzemskiej-Misztalskiej



Mamy zaszczyt zaprosić Państwa na wystawę malarstwa Bogny Jarzemskiej-Misztalskiej.
Wernisaż odbędzie się 1 października 2010 ( piątek ) o godz. 19.00 w Galerii Sztuki Katarzy Napiórkowskiej na Rynku Starego Miasta 19/21


Bogna Jarzemska - Misztalska ukończyła Warszawską Akademię Sztuk Pięknych w Warszawie w 2003 roku uzyskując dyplom z malarstwa w pracowni profesora Krzysztofa Wachowiaka oraz malarstwa ściennego w pracowni profesora Edwarda Tarkowskiego. Dyplom został wyróżniony m.in. ufundowaną przez Wojewodę Mazowieckiego nagrodą profesora Józefa Szajny za nowatorstwo w sztuce.

Artystkę interesuje natura, przyroda, świat fauny i flory, z których inspiracje czerpie uczestnicząc w licznych plenerach malarskich i odwiedzając ciekawe zakątki świata. Jej prace są kolorystyczną odpowiedzią na całokształt zjawisk i problemów, tworzących naszą bogatą rzeczywistość. Wśród ważnych tematów pojawiających się w pracach Bogny można wymienić kompozycje inspirowane ptakami, egzotyką, światem baśni oraz prace pejzażowe, zawierające duży ładunek emocjonalny.

Cykl „Ogrody” to kilkanaście obrazów odkrywających tajemnicę co kryje w sobie świat fauny i flory w całej mnogości kolorów, kształtów i materii. Powstałe obrazy będące najwrażliwszym zapisem osobowości artystki, przez studia nad kolorem, światłem, poszczególnymi elementami kompozycji poszukują piękna, harmonii i radości życia. Kolekcja prac działając na emocje odbiorcy i jego zmysły pragnie uwrażliwić widza na świat, który nas otacza, pobudzić jego ciekawość do odkrywania przyrody.

Wystawę będzie można oglądać od 1 do 15 października 2010 roku

Rynek Starego Miasta 19/21
00-272 Warszawa
tel.: 22 635 35 75


Fot. Bogna Jarzemska-Misztalska, Ogrody – Toki, kolekcja Galerii Sztuki Katarzyny Napiórkowskiej
kk

www.napiorkowska.pl

Blog o sztuce:
http://www.osztuce.blogspot.com/

Galeria Sztuki Katarzyny Napiórkowskiej na Facebooku:
http://www.facebook.com/pages/Warszawa/galeria-napiorkowskapl/352661327156?ref=ts

środa, 29 września 2010

Późne dzieła Salvadora Dali



W HIGH w Atlancie od 7 sierpnia możemy oglądać rzadko prezentowane dzieła Salvadora Dali z poźnego okresu jego twórczości. Ponad 100 prac, w tym aż 40 obrazów "Pana z Wąsem". To jego wizje z udziałem nauki, fantazji, iluzji i efektów optycznych. To jego konotacje ze sztuką innych wielkich artystów lat 60-tych i 70-tych XX wieku: z Andy Warholem, Royem Lichtensteinem i Willemem de Kooning.

Jest jednym z bardziej rozpoznawalnych artystów XX wieku. Postrzegany bywał często jako skrajny ekscentryk, wymyślił np. własną metodę "paranoiczno-krytyczną". Jego postępowanie budziło wiele kontrowersji, nawet po śmierci.

W końcu lat 1930-tych Salvador Dali przeszedł swoistą metamorfozę: zwrócił się w kierunku religii, katolicyzmu. Wtedy też rozwinął swoją intelektualno-estetyczną koncepcję mistycyzmu atomowego. To wszystko zmieniło go nieco jako twórcę i wszystko to znalazło swój ślad w jego pracach.

Pomiędzy perłami wystawy w HIGH, w Atlancie można zobaczyć dzieła Salvadora Dali, których ludzkie oko nie ujrzało w Stanach od lat co najmniej pięćdziesięciu. To między innymi monumentalny Chrystus Św.Jana od Krzyża – jedno z najsłynniejszych płócien artysty. Ukazuje ono Chrystusa na krzyżu z niewyobrażalnego dotąd w sztuce kąta widzenia: ta zadziwiająca widza postać patrzy na świat z bardzo wysoka i widzi to, co potrafi w takiej sytuacji dostrzec. Dali mówił, że ta wizja naszła go kiedyś we śnie. Jak sam Salvadore Dali twierdził, ten Chrystus jawił mu się wtedy jako jądro atomu.

Wystawa “Salvador Dalí: The Late Work” została zorganizowana przez High Museum of Art w Atlancie, we współpracy z Salvador Dalí Museum, St. Petersburg, Florida i Fundació Gala-Salvador Dalí, Figueres, Hiszpania.

Potrwa do 9 stycznia 2011.


Źródło:www.high.com , www.promethidion.eu

Fot. S.Dali, Crystus Św.Jana od Krzyża, 1951, olej na płótnie, 80 3/4 x 45 3/4 inches,Kelvingrove Art Gallery and Museum.
© Culture and Sport Glasgow (Museums)
Courtesy of High Museum of Art, Atlanta

Dzieło jest prezentowane podczas wystawy: Salvador Dali: The Late Work

kk

wtorek, 28 września 2010

Wręczono Nagrody im. Cypriana Kamila Norwida



W poniedziałek na warszawskim Zamku Królewskim wręczono po raz dziewiąty Nagrody im. Cypriana Kamila Norwida przyznawane przez Samorząd Województwa Mazowieckiego.

Tegorocznymi laureatami zostali : Antoni Wit, jeden z najbardziej cenionych polskich dyrygentów, który odebrał nagrodę za dzieło życia; w kategorii teatr uhonorowana została Agnieszka Glińska za reżyserię przedstawienia Lekkomyślna siostra w Teatrze Narodowym w Warszawie; w dziedzinie literatury nagrodę otrzymała Krystyna Kolińska za książkę Szaniawski. Zawsze tajemniczy; w kategorii muzycznej nagrodzono Henryka Wojnarowskiego za nagranie Mszy Stanisława Moniuszki z chórem Filharmonii Narodwej.


W dziedzinie sztuk plastycznych jurorzy nagrodzili Tadeusza Dominika, profesora warszawskiej ASP, jednego z najbardziej znanych kontynuatorów polskiego koloryzmu. Nagrodę samorządu warszawskiego otrzymał za wystawę "Za oknem jest ogród", która pokazywana była w zeszłym roku w warszawskiej Królikarni.

Obraz Tadeusza Dominika Drzewa ( na zdjęciu powyżej ) należy do kolekcji Galerii Sztuki Katarzyny Napiórkowskiej, gdzie również można zapoznać się z twórczością artysty.

Laureatami poprzednich edycji Nagrody im. Cypriana Kamila Norwida w kategorii sztuki plastyczne byli: Wojciech Fangor, Barbara Falender, Jacek Sempoliński, Roman Owidzki, Maryla Sitkowska, Aleksandra Jachtoma, Boris Kudlička, Adam Myjak, Antoni Janusz Pastwa.

Źródło: pap, norwid.mazowia.pl
Fotografia: nagrody ( norwid.mazowia.pl )
db

napiorkowska.pl
osztuce.blogspot.com

niedziela, 26 września 2010

„Potop ilustrowany” - wystawa prac Petera Greenawaya


Od wtorku 21 września w Gdańskiej Galerii Güntera Grassa można oglądać wystawę Petera Greenawaya, jednego z najwybitniejszych współczesnych twórców.

Na wystawę „Potop ilustrowany”/ „Flood illustrated” złożyło się ponad sto pięćdziesiąt prac, inspirowanych biblijnym potopem. "Oto projekt o potopie, potopie Noego, przypowieści, bajce, moralizatorskim micie odbijającym się rykoszetem na przestrzeni wieków. To opowieść o boskim gniewie na ludzką słabość. Ilekroć mamy do czynienia z powodzią, przywodzimy w myślach Noego uciekającego przed gniewem bożym, budującego łódź na jego rozkaz, gromadzącego w niej swą rodzinę i wszystkie stworzenia tego świata (...). I oto teraz sami stajemy w obliczu globalnego ocieplenia, topnienia lodowców i stałego wzrostu poziomu mórz" - napisał o przesłaniu swoich prac Peter Greenaway.

Peter Greenaway – brytyjski prozaik, kurator, twórca instalacji, znany jest przede wszystkim jako wybitny scenarzysta i reżyser filmowy. Jego najbardziej znane filmy to: "Kontrakt Rysownika" (1982), "Zet i dwa zera" (1985), "Brzuch architekta" (1987), "Księgi Prospera" (1991), "The Pillow Book" (1996), "8 i pół kobiety" (1999). W 1994 roku po raz pierwszy wystawił operę - "Rosa czyli koński dramat". Jego filmy cechuje przepych wizualny, odrealnienie oraz eksperymentalne łączenie stylów. Były one wielokrotnie nagradzane i nominowane, m.in. czterokrotnie do Złotej Palmy na Festiwalu w Cannes - ostatnio w 2003 roku za "Tulse Luper Suitcase". W 2007 roku w koprodukcji z Polską Greenaway zrealizował "Straż Nocną".

6 października Peter Greenaway odbierze tytuł Doktora Honoris Causa na Akademii Sztuk Pięknych w Gdańsku. Około godziny 18 w Gdańskiej Galerii Guntera Grassa odbędzie się spotkanie z artystą. Wystawa potrwa do 24 października 2010.

Fot. Peter Greenaway ”Potop ilustrowany”
źródło: http://www.ggm.gda.pl
aw

napiorkowska.pl
osztuce.blogspot.com

sobota, 25 września 2010

"Chopin - ikonosfera romantyzmu"



Przygotowana dla uczczenia 200-lecia urodzin Fryderyka Chopina wystawa prezentuje dzieła wybitnych artystów polskich i francuskich epoki romantyzmu, sytuując polskiego kompozytora i jego muzykę w szerokim kontekście sztuki i kultury europejskiej.

Wystawa koncentruje się będzie na paryskim okresie życia Chopina (1831-1848) i jego kontaktach ze współczesnymi mu artystami, tak miejscowymi, jak i polskimi, czynnymi wówczas we Francji. Postać "poety fortepianu" ukazana została m.in. poprzez twórczość najwybitniejszych malarzy francuskich epoki romantyzmu: Jeana-Auguste'a-Dominique'a Ingresa, Eugène'a Delacroix, Théodore'a Chassériau, Paula Delaroche'a.

Na wystawie zobaczyć też można dzieła rodzimych malarzy pozostających pod wpływem sztuki francuskiej, w tym m.in. Piotra Michałowskiego, Henryka Rodakowskiego, Józefa Simmlera, Jana Matejki, Artura Grottgera. Szczególny nacisk położony został na ukazanie stosunków Chopina z Teofilem Kwiatkowskim oraz z przebywającymi na emigracji polskimi pisarzami i poetami, w tym m.in. z Cyprianem Kamilem Norwidem.

W sumie na wystawie prezentowanych jest blisko 200 dzieł, pochodzących z muzeów i instytucji polskich i obcych. Trzon ekspozycji tworzą bogate zbiory Muzeum Narodowego w Warszawie, znaczna część obiektów pochodzi z Muzeów Narodowych w Krakowie, Poznaniu i Wrocławiu oraz stołecznego Muzeum im. Fryderyka Chopina.

Na potrzeby ekspozycji swoich zbiorów użyczyły znane w świecie muzea francuskie: Luwr, Musée de la Vie Romantique, Musée Carnavalet i Musée National Eugène Delacroix, Musée Ingres oraz holenderskie Muzeum Ary Scheffera w Dordrechcie. W skład wystawy wchodzą też dzieła pochodzące z Fundacji XX. Czartoryskich, Fundacji im. Raczyńskich i Fundacji im. Ciechanowieckich oraz z angielskich i polskich kolekcji prywatnych.

Warszawa, Muzeum Narodowe, 23 września - 14 listopada 2010

Źródło: mnw.art.pl
Fotografia: Ary Scheffer, Portret Fryderyka Chopina, (fot. materiały prasowe)
db

napiorkowska.pl
osztuce.blogspot.com

czwartek, 23 września 2010

Debiut Banksy'ego na festiwalu we Wrocławiu




W ramach pierwszej edycji American Film Festival we Wrocławiu zostanie pokazany film słynnego brytyjskiego graficiarza Banksy'ego. "Wyjście przez sklep z pamiątkami" to jego reżyserski debiut.


- Chcieliśmy, aby nasz film zrobił dla street artu to, co "Karate Kid" dla sztuk walki. Żeby każde dziecko wyszło na ulicę z puszką sprayu w dłoni. Skończy się tak, że nasz film może zrobić dla street artu to, co " Szczęki " dla surfingu - zadeklarował Banksy - legendarny artysta graffiti, któremu od lat udaje się utrzymać w tajemnicy swoją tożsamość.

"Wyjście przez sklep z pamiątkami" to pełen czarnego humoru, przewrotny thriller o miejskich partyzantach, ale też oryginalny komentarz do nieuchronnej komercjalizacji sztuki, która zrodziła się w podziemiu - pisze na stronie festiwalu Ewa Szabłowska.

Banksy tworzy humorystyczne i pomysłowe graffiti, które często są zaangażowane społecznie i politycznie. Jego prace są zawsze anonimowe. Zresztą imię Banksy to też pseudonim. Swoje prace umieszcza w przestrzeni miejskiej - na ulicach i murach.

Banksy rozpoczął swoją podziemną działalność w Bristolu od pokrywania sprayem budynku rady miejskiej, autostrady M32 i nocnego klubu Thekla. Jego prace szybko stały się bardzo znane i pożądane. Bywało, że w nocy ktoś kradł fragmenty miejskiej infrastruktury pokrytej kolorową farbą z logo artysty. Jego prace kupują chętnie hollywoodzcy celebryci tacy jak Brad Pitt czy Robbie Williams.

Artysta miał wystawy w takich miastach jak Nowy Jork czy Los Angeles, a nawet Betlejem. Ponad setkę prac Banksy'ego można było oglądać przez trzy miesiące w City Museum and Art Gallery w Bristolu w ubiegłym roku.

American Film Festival. 20-24 października, Wrocław

Źródło: tokfm.pl
Fotografia: jedna z prac Banksy'ego ( materiały prasowe )
db

napiorkowska.pl
osztuce.blogspot.com

środa, 22 września 2010

Zachęta: Jakub Julian Ziółkowski "Hokaina"



Trwająca od 17 września do 28 listopada 2010 wystawa Hokaina to pierwsza prezentacja monograficzna Jakuba Juliana Ziółkowskiego w galerii publicznej.


Jakub Julian Ziołkowski to jeden z pierwszych malarzy najmłodszego pokolenia, który na swój sposób odwrócił się od współczesności, by czerpać inspiracje z rożnych źródeł: z tradycji surrealizmu, malarstwa metafizycznego, sztuki Japonii i Indii, twórczości Neo Raucha, Giorgia de Chirico, Alfreda Kubina, Jamesa Ensora, Otto Dixa, ale także Pabla Picassa.

Z podobną ahistoryczną swobodą traktuje zarówno otaczającą go rzeczywistość, jak i całą historię sztuki, czyniąc z nich niewyczerpane źródło form i motywów prywatnej symboliki. Jego obrazy i grafiki przypominają szkatułkowe kompozycje, gdzie snute opowieści tworzą rozległą pajęczynę znaczeń. Jest to malarstwo metafizyczne, które poprzez historię nie rozumie najbliższej otaczającej nas przeszłości, ale ponadsytuacyjny dialog z wielką tradycją sztuki i kultury wizualnej.

Wystawa w Zachęcie rozpoczyna się najbardziej znanym dziełem artysty Wielką bitwą pod stołem, która anektuje niemal cała przestrzeń Małego Salonu galerii. W kolejnej sali prezentowane są obrazy powstałe w ciągu ostatnich czterech lat. W ostatniej przestrzeni wystawy wiszą najnowsze prace, głównie gwasze, powstałe specjalnie na wystawę w Zachęcie.

Źródło: zacheta.art.pl
Fotografia: materiały prasowe
db

napiorkowska.pl
osztuce.blogspot.com

wtorek, 21 września 2010

Wystawa dzieł Van Gogha w Rzymie



Miłośnicy dzieł Van Gogha jesienią koniecznie muszą odwiedzić Rzym.

W kompleksie sal wystawowych Vittoriano przy Placu Weneckim zaprezentowanych zostanie 110 prac artysty. Będzie to pierwsza ta duża wystawa dzieł Van Gogha w Rzymie od ponad 20 lat. Wśród wystawionych prac znajdą się wiejskie pejzaże, portrety i autoportrety malarza.

Centralną część ekspozycji stanowić ma 12 obrazów wypożyczonych z Muzeum Van Gogha w Amsterdamie. Pozostałe dzieła zostaną sprowadzone do Rzymu z muzeów i galerii na całym świecie. Na wystawie zobaczymy więc prace z Rijksmuseum, Metropolitan Museum of Art in New York, Guggenheim, Hammer Museum, National Gallery of Canada, Museum of Fine Arts in Boston, J. Paul Getty Museum in Los Angeles, National Tate, a także z Luwru.

Wartość ekspozycji jest tak duża, że zdecydowano się na wprowadzenie nadzwyczajnych środków ostrozności.

Wystawa ruszy 9 października i potrwa do 30 stycznia.
COMPLESSO DEL VITTORIANO
Via Di San Pietro In Carcere, Rome


Fot.Vincent van Gogh, Widok na Arles z irysami, maj 1888, technika: olej na płótnie, rozmiar 54×65cm, Muzeum Vincenta Van Gogha w Amsterdamie
Źródło: materiały prasowe
kk

poniedziałek, 20 września 2010

Królewska kolekcja holenderskich XVII-wiecznych krajobrazów


W szkockim Pałacu Holyroodhouse została zaprezentowana unikatowa Królewska Kolekcja mistrzów holenderskiego krajobrazu z XVII stulecia.

W brytyjskiej Kolekcji Królewskiej XVII-wieczne holenderskie malarstwo krajobrazowe jest zaiste znakomicie reprezentowane: trafiało ono w gusty angielskiej szlachty. W Pałacu Holyroodhouse prezentowanych jest obecnie ponad czterdzieści obrazów największych holenderskich mistrzów tego gatunku w owych czasach, w tym Jacoba van Ruisdaela, Aelberta Cuypa, Jana van der Heydena i Meynderta Hobbemy. Aż 34 z wystawionych płócien zostało zakupionych przez Jerzego IV, Księcia Regenta w latach 1809 – 1820.



Twórczość holenderskich pejzażystów XVI-wieku, ich wyjątkowa umiejętność opowiadania o ludzkich nastrojach i uczuciach poprzez właśnie krajobrazy – wywarły ogromny wpływ na sztukę największych malarzy brytyjskich: John Constable zachwycał się w 1821 całymi akrami wyrażonego nieba’ na obrazie Jacoba van Ruisdaela.

Wystawę można oglądać do 9 stycznia 2011 roku, The Queen’s Gallery, Palace of Holyroodhouse, Szkockaja, Wielka Brytania.

Fot. Willem van de Velde Młodszy, Zjednoczone jachty pod żaglami przy brzegu, i wiele innych statków, c. 1655, Royal Collection (c) 2010, Her Majesty Queen Elizabeth II Courtesy of The Queen’s Gallery, Palace of Holyroodhouse
Jan van der Hayden, Południowo-Wschodnie wejście do miasta Veere z Groote Kerk, Royal Collection (c) 2010, Her Majesty Queen Elizabeth II Courtesy of The Queen’s Gallery, Palace of Holyroodhouse

Źródło: http://www.royalcollection.org.uk
tj

http://www.napiorkowska.pl
http://www.osztuce.blogspot.com/

niedziela, 19 września 2010

Muzeum Sztuki w Łodzi: "Wrogościnność"

Od 17 września do 17 października w łódzkim Muzeum Sztuki prezentowana jest wystawa Wrogościnność: Podejmowanie obcych.

Tytułowa Wrogościnność jest pojęciem utworzonym przez Jacquesa Derridę dla ukazania tego, jak ściśle gościnność jest połączona z wrogością. Termin zdaje się być szczególnie pomocny dla opisania sposobu, w jaki traktuje się imigrantów, niezależnie od tego czy ich pobyt jest legalny czy nie.

Projekt jest z jednej strony próbą rozpoznania sytuacji imigrantów w społeczności, u której goszczą, ukazania niuansów i mechanizmów wrogościnności, z jakimi spotykają się na co dzień. Z drugiej strony może być szansą uczynienia imigrantów widzialnymi w sferze kultury, która zadziwiająco rzadko odbija ich obecność. Uzyskanie przez imigrantów prawa do obecności w kulturze gospodarzy, może stanowić wstęp do uwolnienia gościnności od wrogości.

Do projektu zaproszeni zostali wiodący artyści polscy i zagraniczni, którzy poruszyli całe spektrum problemu zachowań wobec imigrantów: od zupełnego odgraniczenia, przez wrogościnność do postulowanej całkowitej otwartości.

Wystawa jest kontynuacją projektu Anabasis. Rytuały powrotu do domu, zrealizowanego przez Adama Budaka w ramach zeszłorocznego Festiwalu Dialogu Czterech Kultur.

Artyści: Monica Bonvicini, Gast Bouschet & Nadine Hilbert, Alexandra Croitoru, Jens Haaning, Agnieszka Kalinowska, Kolektyw Minaret, Adrian Paci, Doris Salcedo, Société Réaliste, Joanna Rajkowska, Krzysztof Wodiczko

Źródło: msl.org.pl
Fotografia: Agnieszka Kalinowska, Draughty House, 2009
db

napiorkowska.pl
osztuce.blogspot.com

sobota, 18 września 2010

Eadweard Muybridge w Tate Britain


W Tate Britain odbywa się retrospektywa twórczości Eadwearda Muybridge'a, jednego z najbardziej wpływowych fotografów wszech czasów.

Eadweard Muybridge urodził się w 1830 roku w Anglii a w 1850 roku wyemigrował do Ameryki Północnej. Zasłynął przede wszystkim dzięki swoim dokumentacjom ludzi i zwierząt w ruchu. Jako pierwszy udowodnił, za pomocą szeregu aparatów fotograficznych ustawionych obok siebie i wyzwalanych przez pędzącego konia, że galopujący rumak „potrafi latać”, to znaczy w pewnym momencie biegu nie dotyka żadnym kopytem ziemi. Jeden z jego licznych wynalazków - zoopraksiskop był pierwowzorem kinematografii. Urządzenie Muybridge'a umożliwiało wyświetlanie animacji na bazie wcześniejszych fotografii.

Muybridge podróżując po Ameryce Północnej uchwycił na swoich zdjęciach wiele znakomitych krajobrazów oraz bardzo trafnie oddawał atmosferę gwałtownie rozwijających się miast Stanów Zjednoczonych.

Jest to pierwsza wystawa, która zestawia wszystkie ważne prace Eadwearda Muybridge'a.

Wystawa potrwa do 16 stycznia 2011

fot. Eadweard Muybridge
Leland Stanford, Jr. on his Pony "Gypsy"—Phases of a Stride by a Pony While Cantering 1879
Wilson Centre for Photography

Źródło: http://www.tate.org.uk/
aw

napiorkowska.pl
osztuce.blogspot.com

piątek, 17 września 2010

CSW: "Diverçity. Learning from Istanbul"



Do udziału w wystawie zaproszeni zostali artyści najmłodszej generacji z Turcji oraz innych krajów. Nie chodziło tym samym o "narodową reprezentację", będącą często ograniczeniem i etykietyzacją artystów danego kraju, lecz o prezentację różnorodności środowiska skupionego w Stambule, bądź z nim związanego.


Wystawa "Diverçity. Learning from Istanbul" wykorzystuje koncepcję miasta jako przestrzennego, społecznego, politycznego i ekonomicznego terytorium, tworzącego tło dla codziennych praktyk, jednocześnie będąc niewyczerpanym zasobem fikcyjnych narracji, prywatnych historii, marzeń i pragnień.

Istotnym kontekstem dla prezentacji jest Warszawa, w której "postkomunistyczna kondycja" wciąż w dużym stopniu wpływa na kształtowanie przestrzeni publicznej. W tym sensie tytułowe sformułowanie "ucząc się od" (learning from) działa w obydwie strony, ponieważ oba miasta uczą się ze swojej przeszłości, ale także najnowszych transformacji. W tym znaczeniu obydwa są potencjalnie "otwartymi miastami", wciąż w procesie tworzenia na nowo i redefiniowania.

Do udziału w wystawie zaproszeni zostali artyści najmłodszej generacji z Turcji oraz innych krajów. Nie chodziło tym samym o "narodową reprezentację", będącą często ograniczeniem i etykietyzacją artystów danego kraju, lecz o prezentację różnorodności środowiska skupionego w Stambule, bądź z nim związanego, ukazanie zarówno nowatorskiej sztuki jak i zmiennego, niejednoznacznego obrazu i tożsamości miasta.

Praca Emre Hünera "Total Realm" podczas trwania wystawy jest prezentowana na ekranie wielkoformatowym na skrzyżowaniu ulic Świętokrzyskiej i Marszałkowskiej. W przestrzeni miasta obecne są także autorskie plakaty autorstwa Ceren Oykut.

Wystawa czynna od 17 września do 7 października 2010.
Centrum Sztuki Współczesnej Zamek Ujazdowski

Fotografia: Emre Huener, "Total Realm", fot. materiały prasowe
Źródło: informacja prasowa
db

napiorkowska.pl
osztuce.blogspot.com

Exlibrisy Stasysa Eidrigeviciusa w kolekcji Galerii Sztuki Katarzyny Napiórkowskiej



Galeria Sztuki Katarzyny Napiórkowskiej zaprasza do obejrzenia nowych prac Stasysa Eidrigeviciusa

Twórczość Stasysa Eidrigeviciusa stanowi wyjątkową jedność, mimo używania przez artystę różnych technik przedstawiania. W sugestywnej wizji jego świata ważną rolę odgrywają symboliczne obrazy bytu. Sztuka ta wywodzi się w prostej linii z symbolizmu i surrealizmu, tworzy jednak unikalny, odrębny i spójny świat wywiedziony z wyobraźni artysty, który doczekał się określenia "pogodny mądrym smutkiem". Zaludniają go dzieci o wielkich oczach, osamotnione i wylęknione, a także ptaki, domowe zwierzęta, ożywione przedmioty, maski umieszczone w nostalgicznych pejzażach z dzieciństwa.

Artysta urodził się 24 lipca 1949 roku we wsi Medyniszki na Litwie z ojca Polaka i matki Litwinki. W latach 1964-68 uczęszczał do Szkoły Rzemiosł Artystycznych w Kownie, gdzie uczył się na wydziale artystycznego projektowania wyrobów ze skóry. Dyplom z wyróżnieniem otrzymał za okładki książkowe ze skóry. Studia artystyczne na wydziale malarstwa i grafiki rozpoczął w 1968 roku w Instytucie Sztuk Pięknych w Wilnie (dyplom w 1973 roku). Od 1980 roku mieszka w Warszawie.

Obserwuję uważnie ludzi wokół mnie. Przyglądam się ich twarzom, postaciom, ruchom. Z tych okruchów rzeczywistości nieustannie tworzę własny teatr gestów i sylwetek - wyjaśniał w jednym z wywiadów artysta.

Stasys zaczynał od exlibrisów, małych form graficznych (akwaforta, akwatinta) i malarskich (gwasz, pastel). Jeszcze na studiach wystawiał realistyczne obrazy i graficzne ekslibrisy, w których to osiągnął niebywałe mistrzostwo. Często bywał nagradzany za biegłość warsztatową w technikach metalowych; w 1973 roku, kiedy był jeszcze studentem Instytutu Sztuk Pięknych w Wilnie, wziął udział w Biennale Exlibrisu w Malborku, gdzie otrzymał medal honorowy. To właśnie w tych miniaturach graficznych Eidrigevicius zaczął przedstawiać swój prywatny świat zapamiętany z dzieciństwa i opowiadany w bajkowej, nostalgicznej tonacji.



W Galerii Sztuki Katarzyny Napiórkowskiej można nie tylko oglądać, ale także nabyć wyjątkowe Exlibrisy z lat 80. Serdecznie zapraszamy!
http://www.napiorkowska.pl/autor.php?mode=arslonga&id=74

Fot. Stasys Eidrigevicius, Exlibris - Vitolis E. Vengras, ok. 35 x 25 cm, 1980, kolekcja Galerii Sztuki Katarzyny Napiórkowskiej
Stasys Eidrigevicius, List do świnki, 1995, 43 x 62 cm, kolekcja Galerii Sztuki Katarzyny Napiórkowskiej

Źródło: http://www.culture.pl
tj

http://www.napiorkowska.pl
http://www.osztuce.blogspot.com/

wtorek, 14 września 2010

Wernisaż Ewy Pawlak w Galerii Sztuki Katarzyny Napiórkowskiej



Szanowni Państwo,
mamy zaszczyt zaprosić na wernisaż wystawy Ewy Pawlak.
Otwarcie odbędzie się 15 września 2010 o godzinie 18.00 w Galerii Sztuki Katarzyny Napiórkowskiej w Warszawie przy Rynku Starego Miasta 19/21 .

"Malarstwo Ewy Pawlak jest odpowiedzią na analityczny charakter współczesności, na owo poetyckie szkiełko i oko, w którym nauka chce pomieścić niezmierzoną tajemnicę ludzkiej egzystencji. A w tej, szczęśliwie, jest tyle inspiracji dla wrażliwego artysty - Ewy - malarki i poetki." - Katarzyna Napiórkowska.

Galeria Sztuki Katarzyny Napiórkowskiej
Rynek Starego Miasta 19/21/21A, Warszawa
15 września 2010 roku, godzina 18.00

Tatiana Iajgunovici,
Galeria Sztuki Katarzyny Napiórkowskiej


Galeria Sztuki Katarzyny Napiórkowskiej
www.napiorkowska.pl

Rynek Starego Miasta 19/21
00-272 Warszawa
tel.: 22 635 35 75

Blog o sztuce:
http://www.osztuce.blogspot.com/

Galeria Sztuki Katarzyny Napiórkowskiej na Facebooku:
http://www.facebook.com/pages/Warszawa/galeria-napiorkowskapl/352661327156?ref=ts

niedziela, 12 września 2010

Jerzy Skolimowski - reżyser i ...malarz!

Przy okazji wielkiego międzynarodowego sukcesu Jerzego Skolimowskiego, przypominamy jego niedawny debiut jako malarza. Kilka lat temu Jerzy Skolimowski w naszej Galerii po raz pierwszy pokazał swoje obrazy. 
Poniżej przytaczamy tekst Katarzyny Napiórkowskiej o malarstwie Skolimowskiego. 


Emanacja siły i delikatności.
Ekspansywny  i skromny.
Zdecydowany i wrażliwie niepewny.
Zamknięty i otwarty.
Witalny i wyciszony.

Tak o Jerzym Skolimowskim wyraża się twórca i krytyk sztuki- profesor Henryk Cześnik. Nie sposób kontestować tych słów , które odnoszą się zarówno do Twórcy jak i do Jego dzieła.
Malarstwo Jerzego Skolimowskiego ujmuje swoim niezdefiniowaniem, zawieszeniem między realnością  a tym co nierealne, rzeczywistością a światem wewnętrznym .
Powstaje  w ten sposób obraz świata i portret duszy, o którego bogactwie stanowi nade wszystko  zawarta w bardzo konkretnej, materialnej formie tajemnica bytu. Artysta wielkiego formatu potrafi tę tajemnicę egzystencji zaakceptować , przyjąć bez pełnych pychy i skazanych na niepowodzenie prób wyjaśnienia i zrozumienia.

Twórczość Jerzego Skolimowskiego przyzwyczaja nas do samego faktu istnienia tego co musi pozostać niewyjaśnionym. Przez całe życie oswajamy się  z tym , co  jednak nigdy nie przestanie nas dziwić.

  W kontakcie z malarstwem Jerzego Skolimowskiego  pozostaje we mnie głębokie, intuicyjne przekonanie , iż oto oglądam twórczość ważną i bogatą, że oto Artysta, którego powinniśmy  słuchać. Byłam poruszona spotkaniem z Jego obrazami, tak jak z uczuciem poruszenia oglądałam filmy wielkiego Reżysera.   
  Z  każdym kolejnym obrazem – pojawia się nowy fenomen tej twórczości. Fenomen ten zawarty jest w przytoczonej litanii przeciwieństw.
  Do wyliczonych cech  dodać można jeszcze następne – Odwagę i Strach - niczym klamra spinające wszystkie pozostałe .Odwaga i Strach    to  cechy , a może cnoty tak splecione ze sobą w tej twórczości, że   można  mówić o strachu bycia odważnym i o odwadze obawiania się.
    Oto obrazy, które nie tylko będziemy oglądać, lecz przeżywać.


   Katarzyna  Napiórkowska

Wystawa "Inspiracje muzyczne" w Muzeum Narodowym w Krakowie


Wystawa "Inspiracje muzyczne" w MN w Krakowie prezentuje nie wyczerpane bogactwo interpretacji m.in. muzyki Chopina, Wagnera po przez polską sztukę z przełomu XIX i XX stuleci.

Ekspozycja poświęcona inspiracjom muzycznym odwołuje się do roli muzyki w twórczości artystycznej. Składa się na nią szereg pokazów w Gmachu Głównym Muzeum Narodowego w Krakowie: w Galerii Sztuki Polskiej XX wieku (m.in. prace Jacka Malczewskiego, Władysława Podkowińskiego, Zbigniewa Pronaszki), w Galerii Rzemiosła Artystycznego i w Galerii Militariów - oraz osobna prezentacja obrazów z kolekcji Muzeum (m.in. prace Karola Pustelnika, Jerzego Skarżyńskiego, Mieczysława Janikowskiego, Walerego Gabrysiaka, Stefana Gierowskiego).

W Sali „Intertekst” w Galerii Sztuki Polskiej XX wieku zobaczyć można obrazy i zapisy muzyczne na papierze Janiny Kraupe-Świderskiej, jednej z najważniejszych przedstawicielek legendarnego Stowarzyszenia Artystycznego Grupa Krakowska. Są to prace powstałe pod wpływem konkretnych utworów wybitnych kompozytorów, jak Wagner czy Chopin. Inne obrazy są interpretacją malarską przeżyć artystki.

W Galerii Rzemiosła Artystycznego na I piętrze została zaaranżowana wystawa kolekcji batut Tadeusza Strugały – jednego z najwybitniejszych polskich dyrygentów, kolekcjonera batut dyrygenckich. To zbiór ok. 80 przedmiotów. Ilustruje ewolucję tego niepozornego, a jednocześnie niezwykłego przedmiotu. Można będzie zobaczyć między innymi wykonaną w oflagu batutę z drewna, batuta z szylkretu, czyli pancerza żółwia jak również prostą, drewnianą, ale za to należącą do samego Artura Toscaniniego.

Prace związane z tematem wystawy są specjalnie oznakowane – należy czerwonego klucza wiolinowego. Wędrówka śladami inspiracji muzycznych pozwala na odkrycie nowego kontekstu niejednego obrazu, rzeźby, instrumentu muzycznego, mebla czy innego przedmiotu.

W wystawie można uczestniczyć do 31 grudnia 2010 roku, Muzeum Narodowe w Krakowie – Gmach Główny, Kraków.

Fot. Karol Pustelnik, Kompozycja muzyczna, 1968, Muzeum Narodowe w Krakowie.
Źródło: http://www.muzeum.krakow.pl
tj

http://napiorkowska.pl

http://osztuce.blogspot.com

sobota, 11 września 2010

Wielka retrospektywa malarstwa Edwarda Hoppera w Lozannie


W Lozannie jeszcze przez miesiąc możemy podziwiać wielką retrospektywę twórczości Edwarda Hoppera jednego z największych amerykańskich twórców XX wieku.

Ponad 160 dzieł zgromadzonych na wystawie w Fondation de l’Hermitage pozwala na gruntowne prześledzenie wszystkich okresów pracy artysty, począwszy od jego paryskich scen i krajobrazów, a skończywszy na słynnych i jakże dla niego charakterystycznych obrazach Nowego Świata.

Jako niezrównany obserwator społeczeństwa amerykańskiego, Edward Hopper został uznany za uważnego świadka wstrząsów społecznych nowego kontynentu w XX stuleciu. Artysta na swoich płótnach doskonale odzwierciedlał amerykański obraz swojej epoki.Także darząc ogromnym szacunkiem kulturę europejską, podczas podróży po Europie, Hopper zafascynował się malarstwem Rembrandta, Gustawa Courbeta i zwłaszcza Edgara Degasa, który miał największy wpływ na jego sztukę.

Jego malarstwo małych miast i na pozór zwykłych scen z życia codziennego, ukazują wnikliwą obserwację artysty spokojnych, często opuszczonych znanych miejsc. Cisza w jego obrazach jest przesiąknięta nieuchwytną tajemnicą. Często te miejsca puste i przedstawiane postacie, mają niekiedy w sobie przerażenie melancholii samotnych dusz, bez ruchu, jakby zamrożone w czasie i przestrzeni. Chłodna precyzja pociągnięć pędzla o starannym wykończeniu i zachowanych proporcjach kompozycji jest skąpana w dramatycznym świetle, tym samym tworzy niepokojącą aurę dziwności.



Edward Hopper (1882–1967) – malarz, grafik i ilustrator, jeden z najważniejszych artystów XX-wiecznych w Stanach Zjednoczonych.
Po raz pierwszy uczestniczył w wystawie w nowojorskim Harmonie Club. W 1913 r. wziął udział w znaczącej wystawie sztuki nowoczesnej Armory Show, prezentując obraz pt. Żeglowanie. Jego pierwsza wystawa indywidualna miała miejsce w 1922 roku, w Whitney Studio Club. W kolejnych latach artysta wiódł spokojne życie, na co pozwalało zainteresowanie jego pracami ze strony kolekcjonerów. Ceny za obrazy Hoppera rosły, i nie zaszkodził im nawet wielki kryzys – w latach 30. amerykańskie muzea płaciły za nie tysiące dolarów.

Większość prac Edwarda Hoppera znajduje się w posiadaniu muzeów nowojorskich, przede wszystkim Whitney Museum of American Art, które otrzymało ogromny zbiór w spadku po śmierci artysty. Ciekawe kolekcje posiadają także Museum of Modern Art, Brooklyn Museum i Metropolitan Museum of Art oraz chicagowski Art Institute.

Wystawa potrwa do 17 października 2010 roku, Fondation de l’Hermitage, Lozanna, Szwajcaria

Fot. Edward Hopper, Poranne słońce, 1952, 71,4 x 101,9 cm, olej na płótnie, Columbus, Ohio, Columbus Museum of Art, Acquisition du Howald Fund
Edward Hopper, Soir bleu, 91,4 x 182,9 cm, 1914, olej na płótnie, New York, Whitney Museum of American Art Legs de Josephine N. Hopper

Źródło: http://en.fondation-hermitage.ch, http://pl.wikipedia.org/wiki/Edward_Hopper
tj

http://napiorkowska.pl

http://osztuce.blogspot.com

piątek, 10 września 2010

Wystawa biżuterii artystycznej Edit-Laure Rostkowskiej w Galerii Sztuki Katarzyny Napiórkowskiej w Poznaniu



Od 16 września w Galerii Sztuki Katarzyny Napiórkowskiej w Poznaniu będzie można oglądać wspaniałą biżuterię z Edith-Laure Rostkowskiej z Paryża.


Edith-Laure Rostkowska, artystka polskiego pochodzenia, nazywana przez przyjaciół Ediluszką, miała zaledwie 12 lat, gdy zaczęła projektować biżuterię. Artystka wywodzi się z artystycznej rodziny, jest wnuczką Marii Papa Rostkowskiej - słynnej rzeźbiarki. Jako bardzo młoda osoba, ma na swoim koncie liczne realizacje w zakresie biżuterii artystycznej. Swoje prace wystawiała z sukcesem w Mediolanie i w Paryżu.

Biżuteria Edith-Laure Rostkowskiej wykonana jest ze srebra oraz półszlachetnych kamieni. Wyróżnia się ciekawym, młodzieńczym podejściem do formy. Dekoracyjne motywy zaczerpnięte z natury, oraz abstrakcyjne, geometryczne formy wykonane są z turkusów, korali, bursztynu, emalii, masy perłowej. Materiały, które wykorzystuje artystka charakteryzują się żywą barwą, co podkreśla witalność i elegancję prac Edith-Laure.

Pokaz rozpocznie się 16 września 2010, Poznań Stary Rynek 95/96

http://www.napiorkowska.pl
aw
http://osztuce.blogspot.com

czwartek, 9 września 2010

Wystawa Ewy Pawlak w Galerii Sztuki Katarzyny Napiórkowskiej



Zaledwie za kilka dni, 15 września 2010 roku, w Galerii Sztuki Katarzyny Napiórkowskiej będzie miał miejsce szczególny wernisaż poświęcony malarstwu Ewy Pawlak.

Ewa C. Pawlak (ur.1961) studiowała malarstwo w pracowni prof. Stanisława Rodzińskiego i otrzymała dyplom na Akademii Sztuk Pięknych w Krakowie. Jej artystyczne zainteresowania obejmują martwą naturę, postać ludzką i formy abstrakcyjne. Artystka prezentowała swoją twórczość w Stanach Zjednoczonych, w Polsce, Szwecji, Austrii i Anglii.



Charakter twórczości Artystki można wyrazić w słowach malarskiej interpretacji Dyrektora Galerii - Katarzyny Napiórkowskiej: "Realiści stawiali przed swoim malarstwem postulat dokumentowania rzeczywistości. Ewa Pawlak reprezentuje inne myślenie. Poprzez swoje malarstwo stara się dotknąć tego, co transcendentne, ująć tajemnicę w plastycznej, materialnej formie, oddać na płótnie to, co nie należy do codziennego doświadczenia, co niemierzalne i niedotykalne.
Ewa Pawlak ujmuje w swojej twórczości wiarę w tradycyjne malarskie medium, harmonią barw przywołuje emocje. Impastowym, śmiałym gestem nakłada farby, tworzy własne palety. Kolory wibrują kontrastami lub melancholijnie przenikają się monochromatami. Maluje poruszone, nakładające się na siebie przestrzenie, a wśród nich sytuuje sylwetki. Ludzi? A może Aniołów?"

Wystawę będzie można oglądać od 15 do 30 września 2010 roku, Rynek Starego Miasta 19/21/21a, Warszawa.

Fot. Ewa Pawlak, On the way, 75 x 100 cm, 2005, kolekcja Galerii Sztuki Katarzyny Napiórkowskiej
Ewa Pawlak, Peonies I, 75 x 75 cm, 2005, kolekcja Galerii Sztuki Katarzyny Napiórkowskiej

Źródło: http://napiorkowska.pl/autor.php?mode=arslonga&id=494
tj

http://napiorkowska.pl

http://osztuce.blogspot.com

środa, 8 września 2010

Mediations Biennale 2010 w Poznaniu



Oficjalna inauguracja Mediations Biennale 2010 będzie głównym wydarzeniem towarzyszącym 4. konferencji ASEM (Asia-Europe Meeting) – spotkania 43 Ministrów Kultury i delegacji z Azji i Europy, które odbędzie się w Poznaniu w dniach 8-10 września 2010”.

Ideą tegorocznego Biennale w Poznaniu jest dialog między cywilizacjami, kulturą i sztuką, prezentacja dokonań sztuki najnowszej z odległych zakątków globu, a także artystycznych poszukiwań twórców Europy Środkowej. W tym roku w Biennale weźmie udział blisko 150 artystów z ponad 30 krajów.

Mediations Biennale 2010 składać się będzie z dwóch wystaw głównych: Beyond Mediations, której kuratorami będą Tsutomu Mizusawa i prof. Ryszard W. Kluszczyński oraz Erased Walls, nad którą opiekę Georgi Begun i inni.

Pierwszą z wystaw będzie można zobaczyć w Muzeum Narodowym w Poznaniu i Centrum Kultury „Zamek”. Część realizacji odbędzie się w przestrzeni publicznej. Erased Walls zajmie alternatywną przestrzeń specjalnie przygotowana dla tej prezentacji. Wydarzenia artystyczne programu towarzyszącego Biennale pojawią się również w kilku galeriach i miejscach publicznych na terenie miasta Poznania.

„Beyond” ma oznaczać, że tylko sztuka jest w stanie zbudować mosty łączące ludzi ponad istniejącymi podziałami. - zauważa kurator wystawy Tsutomu Mizusawa.

Wystawa stwarza możliwość zaistnienia na jednej ekspozycji tradycyjnych rodzajów artystycznych obecnych we współczesnej sztuce (malarstwo, rzeźba, rysunek etc.) oraz cyfrowej sztuki nowych mediów. Przełamuje w ten sposób ich rozdzielenie, trwające nieprzerwanie od początków historii twórczych zastosowań cyfrowych technologii w sztuce, które trwa pomimo pogłębiającej się digitalizacji współczesnego świata, ogarniającej swym zasięgiem wszystkie jego domeny, w tym także i sztukę w jej klasycznych przejawach.

Prace artystów zaproszonych na wystawę ujawniają, że współczesna sztuka jest gotowa porzucić charakteryzującą ją jeszcze do niedawna autonomię, że wchodzi ona w zasadnicze związki nie tylko z technologiami medialnymi, ale również ze światami nauki, tworząc nowe, wielowymiarowe języki wypowiedzi, dostosowane do hybrydyczności współczesnej rzeczywistości, do złożoności i wielopostaciowości świata, w którym żyjemy. - podkreśla profesor Ryszard W. Kluszczyński – kurator wystawy oraz wybitny znawca sztuki mediów.

Organizowane Biennale potrwa od 11 września do 30 października 2010 roku, Centrum Kultury "Zamek" i Muzeum Narodowe w Poznaniu.


Fot. Kimsooja, "Lotus Zone of Zero", materiały prasowe
Źródło: www.mediations.pl, www.mnp.art.pl
tj

http://napiorkowska.pl
http://osztuce.blogspot.com

wtorek, 7 września 2010

Spektakularna wystawa malarstwa Jean-Léon Gérôme



Spektakularna wystawa malarstwa Jean-Léon Gérôme zorganizowana przez J. Paul Getty Museum w Los Angeles, Musée d’Orsay i paryski Réunion des musées nationaux, we współpracy z Museum Thyssen-Bornemisza w Madrycie – jest pierwszą dużą międzynarodową wystawą twórczości artysty od niemal czterdziestu lat.

Wystawa w Los Angeles kończy się już bardzo niedługo, bo 12 września. Ale potem najsłynniejsze dzieła Gérôme‘a będziemy mogli oglądać w Paryżu – do końca stycznia 2011 – i w Madrycie: od marca do czerwca przyszłego roku. A są tam i te neo-helleńskie, są wielkie sceny historyczne i są też jego czarujące wizje Orientu.

Jean-Léon Gérôme (1824–1904) cieszył się wielkimi artystycznym wzięciem w II połowie XIX wieku i odnosił wtedy swe największe sukcesy: był dostojnym akademikiem i szanowanym profesorem w słynnej École des Beaux-Arts w Paryżu. Sporo tworzył i - jak swego czasu zauważył nieco sarkastycznie Émile Zola - nie było wtedy we Francji salonu, na którego ścianie nie wisiałaby reprodukcja któregoś z popularnych dzieł Gérôme’a. I oto nagle jego gwiazda przygasła na przełomie wieków: ten twórca, który wzniósł akademizm i neo-hellenizm na szczyty artystycznego Olimpu – ten zafascynowany wschodnim światem orientalista i mistrz perfekcyjnego aktu – odszedł w cień, a jego miejsce na szczycie Parnasu zajęli inni: impresjoniści, post-impresjoniści i moderniści.

Mimo to malarstwo Jean-Léon Gérôme'a inspiruje do dnia dzisiejszego, takie inspiracje dostrzec możemy w wielu największych i najdroższych produkcjach w historii światowego kina. W wielu filmach bez trudu dostrzeżemy sceny, miejsca i postaci z płócien Jeana-Léon Gérôme’a.

J. Paul Getty Museum at the Getty Center, Los Angeles
Już tylko do 12 września


Fot.Jean-Léon Gérôme, Walka kogutów, 1846, olej na płótnie, Musée d'Orsay w Paryżu
Źródło:http://www.getty.edu/art/exhibitions/gerome/
kk

http://www.napiorkowska.pl
http://www.osztuce.blogspot.com

poniedziałek, 6 września 2010

Wystawa najlepszych plakatów chopinowskich z lat 1915-2010 w Urzędzie Wojewódzkim



Właśnie dzisiaj otworzono w Mazowieckim Urzędzie Wojewódkim wystawę najlepszych plakatów chopinowskich z lat 1915 - 2010.

Wystawę najwybitniejszych plakatów inspirowanych muzyką Fryderyka Chopina, powstałych w latach 1915-2010, m.in. prace Henryka Tomaszewskiego, Tadeusza Trepkowskiego i Rafała Olbińskiego, można oglądać w siedzibie Mazowieckiego Urzędu Wojewódzkiego w Warszawie.

Wystawa składa się z dwóch części. Widzowie mogą obejrzeć kolekcję archiwalnych plakatów ze zbiorów Muzeum Plakatu w Wilanowie oraz współczesne prace nadesłane na konkurs na plakat "200-lecie urodzin Fryderyka Chopina 1810-2010" zorganizowany przez Mazowieckie Centrum Kultury i Sztuki. W sumie ekspozycja obejmuje 85 prac.



Plakaty o tematyce chopinowskiej projektowali wielcy polscy artyści z Tadeuszem Trepkowskim i Henrykiem Tomaszewskim na czele i mieli takie same problemy z wizualizacją muzyki, jakie mamy dzisiaj. Różnią się od nas tym, że potrafili znaleźć takie znaki plastyczne, które jednoznacznie kojarzą się z Chopinem i jego muzyką. W naszej kulturze są to "godła", które stały się wzorcem i kanonem plastyki - zauważył prof. Stanisław Wieczorek z Akademii Sztuk Pięknych w Warszawie.

Fot. materiały prasowe © fot. Karina Trojok
Źródło: PAP, http://www.mazowsze.uw.gov.pl/news/index/st:1/id:2136.html
tj

http://www.napiorkowska.pl
http://www.osztuce.blogspot.com

niedziela, 5 września 2010

Malarstwo Pawła Skurskiego na wystawie EXPO 2010 w Szanghaju



W dniach 21 sierpnia – 5 września w pawilonie polskim na EXPO 2010 w Szanghaju odbyła się wystawa jednego z artystów z kolekcji Galerii Sztuki Katarzyny Napiórkowskiej- Pawła Skurskiego.


Cykl prac „Chwila w klatce”, prezentowanych na Wystawie Światowej w Szanghaju cieszył się ogromnym zainteresowaniem wśród licznych odwiedzających. Dynamiczny sposób przedstawienia malarskiej twórczości przypadł do gustu zwłaszcza młodszym widzom, którzy odnajdują w obrazach samych siebie, swój rytm życia.


Tematem cyklu prac Pawła Skurskiego prezentowanych na EXPO 2010 jest trauma i strach, uczucia, które są częścią ludzkiej egzystencji.


Fot. P. Skurski „Chłopiec z głową byka”, tempera żółtkowa na płótnie, 127 x 127 cm , 2006, kolekcja Galerii Sztuki Katarzyny Napiórkowskiej

Źródło: http://www.shanghaiexpo.eu

aw


http://napiorkowska.pl
http://www.osztuce.blogspot.com

Monika Sosnowska „Schody”


Monika Sosnowska, jedna z najbardziej znanych polskich artystek, prezentuje w Herzelii swoją autorską wystawę zatytułowaną "Schody". Nowa instalacja artystki to monumentalna konstrukcja sięgająca ponad pięciu metrów wysokości.

Nirith Nelson, kurator oraz dyrektor Centrum Sztuk Wizualnych w Jerozolimie (JCVA), gościł Monikę Sosnowską w 2008 roku. Podczas tamtego pobytu artystce zorganizowano wycieczkę po Tel Awiwie, aby zapoznała się z miejscową architekturą. Ta właśnie wyprawa była inspiracją dla "Schodów" pokazywanych obecnie w Muzeum Sztuki Współczesnej w Herzelii.

Sosnowska słynie ze swoich instalacji nawiązujących do złożoności architektury. W jej twórczości często pojawia się motyw gięcia, kurczenia się, kruszenia i cięcia. Jest on także obecny w najnowszej realizacji artystki.

Wystawa "Schody" powstała przy wsparciu Instytutu Imienia Adama Mickiewicza, Instytutu Polskiego w Tel Awiwie oraz Centrum Sztuk Wizualnych w Jerozolimie (JCVA).

Izrael, Muzeum Sztuki Współczesnej w Herzlii

Wystawa czynna do 15 stycznia 2011

Fot.Monika Sosnowska, "Schody", fragment instalacji, materiały prasowe
źródło: http://www.polishinstitute.org.il/

aw


http://napiorkowska.pl
http://www.osztuce.blogspot.com

sobota, 4 września 2010

Magdalena Abakanowicz na Liverpool Biennial


Przez dziesięć tygodni co dwa lata Liverpoolu przekształca się w najbardziej z niesamowitych galerii w życiu nowej sztuki, prezentując dzieła najlepszych współczesnych artystów z całego świata.

Prace Magdaleny Abakanowicz, jednej z najwyżej cenionych żyjących artystek polskich, pokazane zostaną w Tate Liverpool podczas wystawy "Touched" w ramach międzynarodowej wystawy Liverpool Biennial.

Od początku lat 60. Magdalena Abakanowicz w swoich pracach koncentrowała się na formach organicznych oraz zastosowaniu tkaniny jako rzeźbiarskiego medium. Stale powracającym motywem jej twórczości jest ludzkie ciało stanowiące w tym wypadku niewyczerpane źródło twórczej inspiracji. W swojej twórczości Abakanowicz wykorzystywała szereg procedur artystycznych: od wykonywania odlewów części ciała jak w przypadku cyklu "Backs" (1976–1980) po tkanie miękkich obiektów przy użyciu nitek wyciągniętych ze starych lin w popularnych "Abakanach".

Jedno z jej najbardziej znanych i uderzających dzieł stanowi "Embryology" (1978–80), zakupiona niedawno do kolekcji Tate Gallery. Na tę rzeźbiarską instalację składają się setki ręcznie pozszywanych obiektów różnych rozmiarów, niedbale ułożonych lub w ogóle porozrzucanych po całej galerii. Ich układ tworzy środowisko przywodzące na myśl naturalny krajobraz. Instalacja Abakanowicz umieszcza widza w niejednoznacznym i niepokojącym miejscu - gdzieś pomiędzy ciałem stałym a amorficzną, organiczną materią, tytuł i forma pracy sugerują formy życia spowite kokonem, jeszcze niegotowe do wyłonienia się i rozkwitu. Uszyte z tkaniny workowate pokrowce i ich rozsypana zawartość budzą skojarzenia z handlem i magazynowaniem produktów, skojarzenie to wybrzmiewa szczególnie dobitnie w przestrzeni Tate Liverpool, której budynek służył kiedyś za magazyn.

"Embriologia" zaprezentowana została po raz pierwszy w 1980 roku podczas Biennale w Wenecji. Pokaz w Liverpoolu będzie pierwsza prezentacją dzieła w Wielkiej Brytanii. Klarowny związek tej pracy z tematyką tegorocznej wystawy na Liverpool Biennial sprawił, że dzieło Abakanowicz stanowi otwierający element "Touched". Praca Abakanowicz nie przestaje rezonować z coraz to młodszymi pokoleniami artystów - włączenie go do programu Biennale dostarcza historycznego tła, na którym lepiej widoczne stają się nowe zamówienia kuratorów tegorocznego Liverpool Biennial.

Biennale w Liverpoolu to największa i najciekawsza impreza poświęcona współczesnym sztukom wizualnym na Wyspach. W 2008 roku Biennale odwiedziło 975 tysięcy widzów, co czyni jej jedną z największych imprez tego typu na świecie.

Wystawę będzie można oglądać od 18 września - 28 listopada 2010 roku, Tate Liverpool, Liverpool, Wielka Brytania

Fot. Magdalena Abakamowicz, "Embryology", 1978 - 81, płótno, bawełna, gaza, materiał konopny, nylon i sizal. Chicago, 1982
Źródło: http://www.biennial.com/
tj

http://napiorkowska.pl
http://napiorkowska.blogspot.com

piątek, 3 września 2010

Sukiennice krakowskie odnowione

Właśnie dzisiaj, 3 września, pierwsi zwiedzający wejdą w Krakowie do odnowionej Galerii Sztuki Polskiej XIX wieku.

Otwarcie galerii to z pewnością jedno z najważniejszych wydarzeń rozpoczynającego się sezonu, oczekiwane od blisko czterech lat. Najstarsza siedziba Muzeum Narodowego w Krakowie prezentuje bowiem najbardziej znane dzieła polskiej sztuki XIX wieku.

Na honorowym miejscu ekspozycji umieszczono "Pochodnie Nerona" Henryka Siemiradzkiego – obraz nr 1 w katalogu zbiorów krakowskiego muzeum. To najbardziej spektakularna zmiana w galerii i hołd dla wspaniałego gestu artysty, który jako pierwszy przekazał do narodowych zbiorów swoją pracę. Monumentalne płótno Siemiradzkiego zajmie miejsce "Hołdu Pruskiego" Matejki, zwyczajowo eksponowanego w Sukiennicach, ale będącego własnością Zamku Królewskiego na Wawelu.


Nowa galeria połączy tradycję muzealną z wymogami współczesności. Design wnętrz nawiązuje do XIX wieku: na ściany powróciły kolory z epoki, są też stylowe pluszowe kanapy i palmy. W sali multimedialnej, otoczony szklanymi ekranami widz znajdzie się w wirtualnym świecie roku 1879 – w czasie, gdy powstawało muzeum w Sukiennicach.

Cztery sale Sukiennic prezentują sztukę XIX wieku: od oświecenia do początków symbolizmu. Patronem Sali Bacciarellego jest ostatni polski władca i mecenas sztuk Stanisław August Poniatowski. Król lansował trendy europejskie, wspierał wyjazdy polskich artystów do Rzymu, Paryża i Wiednia. Sala oświecenia pokazuje więc ścieranie się sztuki sarmackiej z wpływami europejskimi – stylem angielskim, głównie w malarstwie portretowym, i tradycją wiedeńskiej Akademii.

Całkowicie nowa Sala Michałowskiego: Romantyzm, w stronę sztuki narodowej ujawnia stylistyczne bogactwo polskiego romantyzmu, od Artura Grottgera po Henryka Rodakowskiego. Próbuje się także zmierzyć z pytaniem o tożsamość polskiej sztuki narodowej.

Idea, która przyświecała założeniu Muzeum Narodowego, polegała bowiem na gromadzeniu zbiorów mających stanowić świadectwo istnienia narodu i jego kultury – rozwijającej się nieprzerwanie, pomimo utraty niepodległości – mówi Dyrektor Muzeum Narodowego w Krakowie Zofia Gołubiew.

Otwarcie Sukiennic krakowskich potrwa od 3 do 5 września 2010 roku.


Fot. Henryk Siemiradzki, Pochodnie Nerona, 1876, olej na płótnie, Muzeum Narodowe w Krakowie
Henryk Siemiradzki, Projekt plafonu do Palacu Zwiszów w Warszawie, 33 x 13 cm, ok 1880-90, z kolekcji Galerii Sztuki Katarzyny Napiórkowskiej
http://napiorkowska.pl/autor.php?mode=vivalarte&id=469

Źródło: http://www.muzeum.krakow.pl/Galeria-sztuki-polskiej-XIX-wieku-w-sukiennicach.56.0.html
tj

http://napiorkowska.pl

http://www.osztuce.blogspot.com

czwartek, 2 września 2010

„Brytyjska Bohema kręgu Virginii Woolf” w Galerii MCK w Krakowie


Wystawa „Grupy Bloomsbury. Brytyjska Bohema kręgu Virginii Woolf" w Galerii Międzynarodowego Centrum Kultury będzie pierwszą w Polsce tak szeroką prezentacją brytyjskich artystów z początku XX wieku.

Nigdy wcześniej polska publiczność nie miała okazji poznać kontrowersyjnej historii Bloomsbury, ani sylwetek twórców i ich znakomitych dzieł.
Twórczość skandalizującej, awangardowej grupy Bloomsbury, skupionej wokół pisarki Virginii Woolf i malarki Vanessy Bell, działającej od 1905 roku do początku II wojny światowej uważana jest dzisiaj za najważniejsze, najbardziej znane i cenione zjawisko w kulturze brytyjskiej XX wieku. Tworzący grupę malarze, pisarze, dziennikarze, ekonomiści i krytycy sztuki swoja działalnością wywarli ogromny wpływ na współczesną angielską i światowa sztukę oraz literaturę.

W Galerii Międzynarodowego centrum Kultury zaprezentowane zostaną najwybitniejsze obrazy, drzeworyty i litografie tak znanych artystów, jak: Vanessa Bell, Duncan Grand, Roger Fry i Dora Carrington. Wystawa zostanie wzbogacona o przedmioty z życia codziennego, (meble, ceramika) a także kilkadziesiąt książek zilustrowanych przez artystów Bloomsbury.

Na bogaty program towarzyszący wystawie złożą się wystawy, dni otwarte, projekcje filmowe, czytanie literatury brytyjskiej, lekcje galeryjne, warsztaty dla dzieci i młodzieży.

Tony Brandshow, brytyjski kurator wystawy, zauważa w swojej wypowiedzi o Grupie Bloomsbury, że wszyscy jej przedstawicieli wnieśli nieoceniony wkład w intelektualne i artystyczne życie Wielkiej Brytanii w pierwszej połowie XX stulecia. "Dwie największe postacie - jak dalej podkreśla Tony Brandshow - osoby o międzynarodowej sławie, to Virginia Woolf, swą techniką ''strumienia świadomości" otwierająca nowe literackie horyzonty, oraz ekonomista Maynard Keynes, którego rewolucyjne teorie ekonomiczne i praca na rzecz stworzenia nowego ładu ekonomicznego po traumie dwóch wojen pozostają nieprzemijającą wartością".

Wystawa jest czynna od 15 września 2010 do 9 stycznia 2011 roku.

Fot. Vanessa Bell, Klasa, 1937 © Estate of Vanessa Bell, courtesy Henrietta Garnett
Angelica Bell, Zestaw do kawy i talerz, 1934
Źródło: www.mck.krakow.pl
tj

http://napiorkowska.pl

http://www.osztuce.blogspot.com

środa, 1 września 2010

Grafiki Jamesa McNeilla Whistlera w Uniwersity of Michigan Museum of Art


Cenny zbiór prac Jamesa McNeilla Whistlera w Uniwersity of Michigan Museum of Art stanowi jedną z najlepszych kolekcji grafik tego artysty w Ameryce Północnej. Na wystawie znajduje się blisko 100 dzieł sztuki Whistlera z nadzwyczajnej kolekcji UMMA, która obejmuje całokształt kariery artysty w Europie, od czasów studenckich, zainteresowania w kierunku realizmu, po ulotne i wzniosłe oraz dojrzałe litografie.


Prawie wszystkie prace Whistlera trafiły do kolekcji Muzeum jako spadek po Margaret Watson Parker, która z pasją kolekcjonowała grafiki Whistlera oraz sztukę japońską. Dzięki swoim zainteresowaniom, zyskała ona wiele kontaktów z najważniejszymi kolekcjonerami prac Whistlera w Stanach Zjednoczonych, co pozwoliło stworzyć jedną z najznamienitszych kolekcji dzieł artysty. Tematem wystawy jest między innymi rola kolekcjonerki Parker i jej mecenatu nad sztuką Whistlera na początku XX wieku.


wystawa potrwa do 28 listopada 2010


Źródło: http://www.umma.umich.edu

aw

fot. James McNeill Whistler,Nocturne, 1878, Lithotint with scraping on a prepared half-tint ground printed on blue-grey paper
University of Michigan Museum of Art, Bequest of Margaret Watson Parker, 1954/1.413


napiorkowska.pl

osztuce.blogspot.com